Искусство второй половины XX века. Поп-арт

Поп-арт

Поп-арт — художественное движение, зародившееся в середине 1950-х годов в Великобритании, но наиболее широкое распространение получившее в США.

Поп-арт стал дерзким вызовом традиционной живописи, поскольку в нем делалась ставка на изображения из массовой культуры, включая рекламу, комиксы, обыденные предметы и новости. Кроме прочего, появление поп-арта в США стало реакцией на серьезность и беспредметность абстрактного экспрессионизма.
Новое поколение художников желало вернуться к предметной живописи, при этом внеся в свои работы некоторую несерьезность, иронию и приправить все это внушительной порцией китча.

После того, как Америка окончательно пришла в себя после Второй мировой войны, в стране начался мощнейший экономический подъем, что, в сочетании с прогрессом в области технологий и средств массовой информации, породило так называемую «культуру потребления».
Культуру людей со стабильным высоким доходом и большим количеством свободного времени. Промышленность, расширившаяся и укрепившаяся за годы войны, теперь начала забрасывать массового потребителя самыми разнообразными продуктами, начиная от лаков для волос и стиральных машин, и заканчивая блестящими новенькими кабриолетами, которые, если верить рекламе, были материальным воплощением счастья.

Типичные плакаты США периода 50-х, представляющий идеальную семью, как главную составляющую успешного критерия процветания, образец «культуры потребления»

Существенной поддержкой для культуры потребления стало развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе, где акцент стал делаться на графических изображениях и узнаваемых логотипах — брендах, которые сейчас в нашем визуально насыщенном мире воспринимаются как нечто, само собой разумеющееся.

В отличие от процветающей Америки, Великобритания, где зародился поп-арт, тяжело переживала послевоенные годы. Можно сказать, что поп-арт обязан своим появлением завистливым взглядам через океан: на американскую массовую культуру, на идеализированные журнальные картинки беззаботной жизни общества потребления.

Первыми к этим образам обратились художники из «Независимой группы», основанной в начале 1952 года. Они сформулировали и начали распространять большинство базовых идей британского поп-арта.
Ведущими представителями «Независимой группы» были Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, сэр Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл.

Одной из самых знаковых работ британского поп-арта считается знаменитый коллаж Ричарда Гамильтона под затейливым названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», созданный для важнейшей выставки «Независимой группы».

Ричард Гамильтон, коллаж
Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?, 1956

Выставка «Это — завтра», прошедшая в Галерее Уайтчепел в Лондоне, стала отражением всепоглощающего интереса художников к массовой культуре.
Как писал Аллоуэй, «…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем ее как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».

Ричард Гамильтон, коллаж
Interior II, 1956

Ричард Гамильтон (1922–2011) – британский художник и коллажист, один из основателей художественного течения поп-арт. В своих работах, посвященных американскому обществу потребления, Гамильтон заложил основы поп-арта, определил его цели и идеалы.
Полное погружение в поп-культуру: телевидение, кинематограф, журналы и музыку. Все эти элементы находили отражение в работах Гамильтона. В своих коллажах он использует вырезки из американских журналов, загромождая пространство настолько, что работа превращается в пародию. В поздние годы Гамильтон экспериментирует с новыми техниками, используя при создании своих произведений компьютеры и телевидение.

Многие искусствоведы считают, что корни поп-арта уходят гораздо глубже, чем принято считать.
По их мнению, поп-арт является прямым потомком дадаизма, художественного движения 20-х годов
Марсель Дюшан, первопроходец дадаизма в США, который пытался сократить дистанцию между искусством и реальной жизнью, увековечивая продукты массового производства, был одной и самых влиятельных фигур в эволюции американского поп-арта.

Непосредственными первопроходцами поп-арта стали Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 50-х рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, но делали это в живописной выразительной манере.

Джаспер Джонс, 1958
Три флага

Джонс считал, что каждую картину нужно воспринимать не как отображение реального мира или иллюстрацию, а как объект с его собственной реальностью.
Джонс, в отличие от Дюшана, выбирал для сюжетов своих работ не «найденные объекты», а «найденные изображения» — флаги, вывески, буквы и цифры.

Ключевые моменты
Создавая картины и скульптуры, изображающие объекты массовой культуры и медиа-звезд, представители поп-арта стремились размыть границы между «высокой» и «низкой» культурой. Одной из важнейших характеристик поп-арта является концепция того, что в культуре не существует никакой иерархии, а искусство может питаться из любого источника.

Можно было бы сказать, что абстрактные экспрессионисты в своей работе опирались на душевные травмы, в то время как представители поп-арта искали выражение тех же травм в опосредованном мире рекламы, комиксов и поп-культуры в целом.
поп-художники первыми поняли, что в принципе не существует непосредственного доступа к чему бы то ни было, будь то человеческая душа, природный мир или любая искусственная среда. Они верили, что все в мире взаимосвязано.

Несмотря на то, что поп-арт включает в себя широкий спектр работ, созданных под влиянием очень разных взглядов и позиций, большую часть из них характеризует некоторая эмоциональная отстраненность.
Предметом долгих споров был вопрос о том, является ли это следствием принятия художниками поп-культуры, или же наоборот — ее отвержения.

На первый взгляд, представители поп-арта с энтузиазмом относились к новой поствоенной Америке с ее промышленным и медийным расцветом.
Некоторые критики считали выбор поп-художниками тем для работы следствием восторженного одобрения капиталистического рынка и наводнивших его разнообразных товаров.
В то же время другие искусствоведы считали превращение художниками повседневности в высокое искусство своего рода культурной критикой: создавая арт-объект на основе обыденного продукта массовой индустрии, они тем самым подчеркивали тенденцию превращения произведений искусства в товары.

Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером.
Дизайнером же работал и Эд Рушей, а Джеймс Розенквист начинал с разрисовывания биллбордов. Благодаря этим первым шагам в искусстве художники получили мощное подспорье для дальнейшей работы, своего рода визуальный словарь массовой культуры, и приемы, позволявшие объединять сферы высокого искусства и поп-культуры.

Джеймс
Розенквист

Роберт Раушенберг — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта.
В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда.

создавал свои коллажи из мусора, найденного на улицах, Раушенберг стал компоновать собственные живописно-коллажные работы из реальных объектов, которые он собирал на улицах Нью-Йорка.
Художник говорил: «У меня было правило: если я обошел квартал и не нашел достаточно материала, с которым я мог бы работать, я расширял поле поиска на еще один квартал и шел в любом направлении».
Он называл свои мультимедийные сборки «объединениями» (combines) и считал, что они должны выглядеть «как минимум такими же интересными, как что угодно, происходящее за окном».

Комбинирование масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволяло ему экспериментировать с любыми изображениями, позаимствованными из газет, журналов, телевидения или кино, которые он мог воспроизвести в любом размере или цвете в качестве элемента на холсте.
Каждый день они бомбардируют нас изображениями, большинство из которых мы игнорируем, но некоторые из них (сознательно или подсознательно) задерживаются в памяти, поскольку соотносятся с определенным личным опытом. Картины Раушенберга были призваны зафиксировать этот визуальный информационный «шум» в рамках отдельно взятой картины.

Рой Лихтенштейн – американский художник, одна из самых влиятельных фигур стиля поп-арт.
В 60-е годы ХХ века начал создавать картины, основанные на изображениях из журналов комиксов, благодаря чему добился огромной популярности как в Америке, так и за ее пределами.
Стиль с жестко фиксированным форматом: черные рамки, яркие чистые цвета и оттенки, созданные с помощью точек «Бен-Дэй».

Художник бросил вызов этой угасающей традиции абстрактного эксперссионизма картиной «Смотри, Микки» (1961), скопированной с обертки жевательной резинки.
Его работы, основанные на комиксах, поначалу шокировали, но, как и в случае со многими поп-художниками, были довольно быстро благосклонно приняты галереями и коллекционерами.

Лихтенштейн говорил: «Было очень сложно написать картину настолько отвратительную, что никто не захотел бы повесить ее к себе на стену. В конце концов, было приемлемо вешать на стену тряпку, забрызганную краской, все к этому привыкли. Единственным, что все ненавидели, было коммерческое искусство, но, очевидно, и его они ненавидели недостаточно сильно».

«Вау!» 1963

Если существовал художник, олицетворявший собой все направление поп-арта, то это, безусловно, был Энди Уорхол. Он, если можно так сказать, стал лицом американской поп-культуры и возвел ее образы в статус музейного искусства.

Уорхол использовал второсортные изображения звезд и потребительских продуктов, которые, по его мнению, обладали некой «внутренней банальностью», делавшей их более интересными. Художник был по-настоящему очарован этой банальностью, которую запечатлел в целой серии сюжетов, начиная от портретов знаменитостей и заканчивая банками супа.

Уорхол который просто ест гамбургер:
https://www.youtube.com/watch?v=rRbidZ9mR8g

Кроме того, Уорхол является прародителем арт-хаусного кино. Его фильмы снятые в знаменитой серебряной мастерской «Фабрика» были революционными.
Сама «Фабрика» была не только мастерской, киноплодакой но и центром притяжения художников, музыкантов и других творцов, настоящим культовым местом

Обложки
музыкальных альбомов

Муза Уорхола - Эди Сэджвик

При создании иконической серии Энди Уорхола с банками супа никогда не предполагалось привлечь внимание к форме или композиции этих работ, в отличие от картин абстрактных экспрессионистов.
Значимыми полотна Уорхола делает выбор универсального и узнаваемого образа (вроде банок с супом, Микки Мауса или лица Мэрилин Монро) и изображение его в качестве массового продукта, но в контексте изобразительного искусства.
В этом смысле Уорхол не просто делает акцент на популярных образах, а скорее указывает на то, как эти образы в наше время воспринимаются людьми: к ним относятся, как к узнаваемому с первого взгляда товару, который продается и покупается.

Эта серия относится к ранним живописным работам художника, однако уже совсем скоро он переключился на шелкотрафаретную печать, считая, что изображения поп-культуры нужно производить механическим способом.
Сто холстов с изображениями банок супа, созданные Уорхолом для первой персональной выставки в Галерее Ферус в Лос-Анджелесе, позволили ему почти мгновенно занять высокое место в мире американской живописи и навсегда изменить лицо современного искусства.

Сто банок с супом «Кэмпбелл»
, Энди Уорхол 1962

Отрывок о Уорхоле 1:40- 13:20
https://www.youtube.com/watch?v=zz70ncvMekU
Как печатались работы Уорхола (и Лихтенштейна) шелкография
https://www.youtube.com/watch?time_continue=12&v=CzrPmfaYcMM&feature=emb_logo

Клас Олденбург — один из немногих скульпторов, работавших в стиле поп-арт, известный своими шутливо-абсурдными работами, посвященными еде и неодушевленным предметам.
Коллекция работ под общим названием «Витрина с пирожными» впервые была выставлена в знаменитой инсталляции скульптора «Магазин», устроенной в Нижнем Ист-Сайде.

Клас Олденбург, Витрина с пирожными , 1962

Для этого проекта Олденбург создал несколько гипсовых скульптурных объектов, включая клубничное пирожное и яблоко в карамели. Инсталляция была оформлена как типичная американская лавка, в которой можно купить не только продукты, но и различные товары для повседневных нужд.
Скульптор дополнил ее рекламными плакатами и продавал свои работы по низким ценам, таким образом превращая арт-объекты в товары.

Несмотря на то, что они были проданы, как любые продукты массового производства, каждый из этих уникальных предметов был проработан с особой тщательностью. Покрывая свои работы краской, Олденбург использовал густые, выразительные мазки, как глумливую отсылку к серьезности абстрактного экспрессионизма. В ироничной манере скульптор объединял энергичность экспрессионизма с продуктами массового потребления.

Клас Олденбург, Два чизбургера, 1962
Кусок пирога

Олденбург черпал вдохновение в образах потребительских товаров. В 1961 году он открыл свой «Магазин», в котором продавал гипсовые копии фаст-фуда и различных продуктов. Запасы «товаров» он пополнял в своей студии, которая находилась в задней части магазина.
Работы Олденбурга полны иронии и противоречий: он делал твердые предметы вроде умывальника из мягкого расплывающегося винила, в то время как мягкие объекты, например, гамбургеры — из твердого раскрашенного гипса. Кроме того, они играет с размерами предметов. Он говорил: «Мне нравится брать сюжет и полностью лишать его присущей ему функции».

Клас Олденбург, Напольный бургер, 1962

Клас Олденбург